Desde los 80 hacia las estrellas
Seguimos sin estrenos enormes o poderosamente emocionantes. Dudo ya que sea resaca épica y empiezo a pensar que el mundo anda escaso de ideas o estamos en época de vacas flacas o los guionistas andan también en crisis o el fin del mundo de los mayas produce vagancia en los cineastas. Vete tú a saber.
Esta semana, nos llega una de las imágenes que más nos había impactado meses atrás, la de un Sean Penn maquillado hasta la esclerótida, un par de comedias de muy distinto enfoque, otra burtoniada más para la colección y poco más.
Ahí va mi resumen semanal.
THIS MUST BE THE PLACE
A medio camino entre “Una historia verdadera” y un vídeo de “The Cure”, llega una nueva película en la que el camaleónico Sean Penn demuestra su gusto por la caracterización, su facilidad para transformarse por completo en seres marginados, extremos, rarunos.
En este caso, se transforma en una estrella de la música ya en el olvido, que vive al margen del qué dirán, manteniendo la misma pinta que cuando estaba en lo alto, intentando conservar la eterna adolescencia. En un hijo que se entera de que su padre, un desconocido con el que no habla desde hace años, se muere y que no sabe muy bien cómo encajar la noticia.
Este tipo tristón, cabezota y de enorme personalidad, se embarca en la busqueda de un criminal nazi que torturó a su padre en un campo de concentración, en un viaje de redescubrimiento de sus raíces y de comprensión personal. Una peli de rollito humanista y enormes actores que se posiciona como la opción más interesante de la semana (aunque sea imposible encontrar un maldito trailer subtitulado, asco de publicistas ignorantes) con un:
INFILTRADOS EN CLASE
Por regla general, a la hora de valorar esta película, haría uso de una de las más poderosas armas de críticos de renombre, blogueros y especializados en cualquier tema en general. Un instrumento básico de los que creamos a partir de la palabra y que yo, particularmente, utilizo con soltura e inteligencia: el prejuicio.
Porque, seamos serios, un título como “Infiltrados en clase” (en inglés “21 jump street”, igualito), con ese poster con cómico y musculitos en portada, sobre dos polis idiotas que se infiltran en un instituto para encontrar un traficante de drogas malote, huele a comedia americana de querer sacarse los ojos con la pajita de la cocacola para meterlos en la bolsa de las gominolas al de al lado.
El caso es que, leyendo por ahí, he visto que no son pocos los espectadores que la señalan como una película muy graciosa, con un sentido del humor gamberro y un ritmo envidiable, así que haré gala de mi otra gran característica como influyente internetero, la falta de personalidad y le otorgaré:
SEIS PUNTOS SOBRE EMMA
Tengo sensaciones encontradas con respecto a esta peli. Sí pero no. Por una parte me atrae y por otra me repelé. Obladí, obladá. Esas cosas.
Hay en el guión cositas que me resultan agradables, puntos de guión, un esfuerzo por salirse de la norma y tratar un tema tan políticamente incorrecto como la ceguera o la parálisis con humor gamberro y fresco y la interpretación de Verónica Echegui parece muy buena.
Pero por otro, también parece acabar cayendo en la comedia romántica más facilona y como si el personaje central fuera el único con un dibujo cuidado y definido, como si lo que hubiera alrededor no hubiera recibido tanta atención y los diálogos, en otras partes, flojean y pecan de típicos.
Todo eso, a partir de un trailer de dos minutos y medio, ¿cómo os quedáis?
En fin, para la historia de Emma y su ceguera de amor:
MISS BALA
Recuerdo leer, hace poco, en el periódico, un reportaje sobre modelos latinoamericanas que, buscando el dinero rápido, se acercaban a los grandes narcotraficantes, cambiando su vida de pasarelas por otra al otro lado de la ley. Algunas acababan en la carcel por llevar droga, otras muertas en tiroteos y otras acababan perseguidas por aquellos que las acogieron después de testificar, buscando redención.
Desde Mexico nos llega una historia de este estilo. Una muchacha que busca convertirse en reina de belleza y acaba atrapada en un mundo violento, ilegal y sórdido, intentando sobrevivir como puede.
Una peli de denuncia nominada en los Goya o en Cannes, que puede ofrecer una visión de estas muchachas, bajo las inverosimilidades que traen consigo las ficciones que buscan también la adrenalina del espectador, a la que le doy:
SOMBRAS TENEBROSAS
Tim Burton ha ido perdiendo interés con el paso de los años. De aquel director personalísimo, imaginativo, único, con una cabeza de greñas enmarañadas llena de ideas fantásticas, que nos regaló joyas como “Bitelchús”, “Batman”, “Eduardo Manostijeras”, “Pesadilla antes de navidad” (que sí, que ya sé que el que aparece como director es Henry Selick, pero es burtoniana hasta la médula) o “Big Fish”, apenas queda una sombra de lo que fue, una especie de piloto automático y de sello de imagen que no encuentra historias mínimamente interesantes.
A la vista está en sus últimas películas, aburridas y tediosas a pesar de sus actores, siempre entregados esperando que esa sea su vuelta a la comunión con el público, con Johnny Depp a la cabeza, que acude puntual a la llamada de su alma gemela.
La nueva intentona es “Sombras tenebrosas”, una revisitación de una telenovela usamericana que quedó en la retina de muchos yankis, por incorporar, de repente, tramas vampíricas y sobrenaturales en un serial que empezó siendo un drama sin más. Una especie de “Falcon crest” con ataudes en vez de viñedos y un chupasangres en lugar de Angela Channing.
¿Volverá Burton a enamorar a la audiencia con estos mimbres? No lo creo y por lo pronto, las ganas de ver estas sombras llegan hasta:
UN AMOUR DE JEUNESSE (PRIMER AMOR)
Parejita de teenagers ultra-enamorados, ruptura por el viaje de él a sudamérica, corazón destrozado, nuevo amor y vuelta del primero, trayendo las dudas, sensaciones pasadas y sentimientos contrapuestos. Algo que hemos visto mil veces en pantalla, que quizá incluso hemos vivido y que me genera pereza, por mucho que las críticas la pongan bien.
El trailer tiene más planos de la chica ojerosa, llorosa y con cara de haber cortado una tonelada de cebollas que de cualquier otra cosa, así que es de esperarse un drama constante e intenso, una colección de sentimientos desbocados, con la intensidad que sólo la adolescencia puede generar.
¿Es cosa mía o llegan a la cartelera más películas francesas que españolas? Reflexión gratuita que queda ahí justo antes de otorgar al primero amorío:
Lo reconozco, aún vivo bajo los efectos de la resaca vengadora. Pego patadas por las noches al iniciar el vuelo, me pongo verde cuando me cabreo y pincho el pulpo a feira lanzando el palillo desde el otro lado del restaurante. Lo típico.
Aún así, debo reponerme y recordar que hay otros estrenos en la cartelera, sin capa, sin cargarse ciudades enteras y sin portales espacio-temporales. De todo ha de haber en la viña del Spaghetti volador. Echemos un vistazo a esta semana plagado de estrenos de lo más variado.
EL HOMBRE SIN PASADO
Como si “León, el profesional” hubiese pasado a través del tamiz del manga. Es lo primero que a uno le viene a la cabeza cuando ve el trailer de esta película coreana de venganza, disparos y artes marciales.
Quizá Bin Won no tenga la presencia de Juan Moreno, más conocido como Jean Reno y la niña no llegue a la sensualidad e inocencia que desprendía Natalie Portman en su primer papel en un largometraje, pero la película promete una dosis de acción y emoción muy altas.
Para el hombre que no tenía pasado y que se cortó el pelo a la hora de ir a buscar un futuro:
LES LYONNAIS
¿Qué pasaría si, después de un montón de años, Curro Jiménez se entera de que han trincado y metido en chirona al Algarrobo, cuando ambos llevaban ya una vida tranquila y familiar y, sufriendo por su amigo, contacta de nuevo con el Estudiante y traman un plan para sacarle de allí?
Pues a Olivier Marchal se le ha ocurrido una historia parecida, aunque llevada a la actualidad. Un vejete ex-atracador tiene que reunir a su ex-banda para liberar a su ex-socio y como no tenga cuidado, su mujer le va a dejar las maletas en la calle y pasará a ser su ex-mujer.
Una historia de amistades eternas y del ocaso de aquellos que en otra época fueron grandes, aunque fuera en un terreno ajeno a la legalidad. Si está bien contada, puede molar bastante, así que, para el clan viejuno:
SAFE
Jason Statham es el nuevo tipo duro de Hollywood. Stallone, que es un tipo listo y con unos morros muy raros, lo entendió y le pasó el testigo de una generación en la que él y Chuache reinaban en las pelis testosterónicas, ofreciéndole un asiento a su diestra en “Los mercenarios”.
En sus pelis no veremos discursos shakesperianos ni papeles de contención, pero las ensaladas de rijostios y las frases lapidarias son una promesa en firme. Si antes nombrábamos “León, el profesional”, ahora podríamos mezclarla con “Mercury Rising” y tendríamos la historia de este poli que tiene que proteger a una niña superdotada que ha memorizado un McGuffin lleno de números.
La clásica peli de desconectar y disfrutar, sin hacerse demasiadas preguntas. Yo tengo bagaje suficiente como para divertirme en ella, así que:
MI FÁBRICA
Documental que narra una de las millones de historias que suceden en esta crisis mundial a lo largo del planeta. Una fábrica que va razonablemente bien, en este caso construyendo barcos, trabajadores orgullosos de su trabajo, capital exterior que se hace con la empresa, crisis y mogollón de puestos de trabajo que empiezan a caminar sobre el alambre.
Un ejemplo más, una historia más, unas cuantas vidas más que pasan de la etérea idea de la clase media a la desesperación.
Quizá haya un límite de aguante y quizá se estén acercando a él. Quizá haya que desempolvar ciertos inventos franceses.
Para la cruda historia de la fábrica de barcos:
ADIÓS A LA REINA
Resulta que María Antonieta, a la que cortaron la cabeza por aquella época en la que el pueblo decidió rebelarse a los políticos y tomar el control de la situación (mmmm, esto me da unas ideas…), era un poquito lesbiana y encima tenía la cara de Diane Kruger. O eso es lo que nos cuenta el director Benoît Jacquot que pasó allá por los tiempos de la toma de la bastilla.
Así que, en esta dramática peli gabacha, nos cuentan los últimos días de la reina y su relación con una provinciana de la que cayó rendida. Una historia de amor pasional entre jardines y mantos de armiño que, así de primeras, no es que me llame demasiado la atención. Así que para el aurrevoire a la dama:
LOS DIARIOS DEL RON
Segunda película en la que Johnny Depp interpreta a su difunto colega, el periodista lisérgico Hunter S. Thompson, después de “Miedo y asco en las vegas”. De hecho, parece una segunda parte de ésta, en donde Depp se vuelve igual de loco, borrachín y desmadrado, intentando trasladar a la pantalla aquella idea de la contracultura americana que abanderaba Thompson, que aborrecía el tradicional american way of life.
Parece una sucesión de gamberradas, como si alguien filmase diversos pasajes de un erasmus, aunque a una edad algo avanzada. Un desmadre en Puerto Rico en el que el protagonista se limita a vivir de forma desaforada y plasmarlo en sus memorias.
Depp desatado es algo que ya he visto y que tampoco me produce especial ilusión, así que para la bitácora etílica:
EL SEXO DE LOS ÁNGELES
Sexo, hip-hop y un trío. A simple vista, estos parecen los ingredientes básicos de esta película que cuenta cómo tres jovenzuelos experimentan y pasan de los tabúes básicos sociales sobre la sexualidad, retozando alegres sin más complicaciones.
Demasiado poco tema para una película que no parece que cuente nada nuevo bajo el sol, o bajo la colcha. Tres caras guapas, la de Astrid Bergès-Frisbey, la sirena española de la última peli de “Piratas del caribe”, Álvaro Cervantes, uno de los protas de la actual “Luna de Calanda” y que, flípalo, participó en “Hanna” y Llorenç González, que hasta ahora ha hecho algo de tele y aún nada internacional.
Pues, así de primeras, no me lleva a mí hasta una sala, pero quien sabe, todo es ponerse. Para el tralarí tralarí de los querubines:
WILAYA
Las wilayas, en los países musulmanes, son una especie de provincias y a una de ellas, en el Sahara, llega Fatimetu, después de haber estado viviendo 16 años en españa, al entierro de su madre. Allí se entera de que ha heredado una jaima y una hermana minusválida.
Así que la peli va de ese intento por adaptarse a otra vida, a otra cultura, a una familia que hace tiempo que no ve, a los prejuicios, a la religión y a la arenilla esa que se te mete en todos los pliegues cuando sopla viento y que luego no hay quién se quite.
El problema es que los diálogos suenan tan forzados, las actrices desprenden tan poca naturalidad y, en general, todo da tanta pereza, que me temo que las ganas se me quedan en na. Así que, para el regreso a las dunas:
AMERICAN PIE: EL REENCUENTRO
No soy una buena opción para comentar esta película. De hecho, no soy buena opción para comentar ninguna, pero ésta especialmente, ya que no he visto ninguna de las anteriores. Cuando me hablan de la flauta o la caca, pongo cara de interesante, asiento con la cabeza y me toco la barbilla, pero en el cerebro tengo el clásico mono de juguete tocando los platillos.
A quien le hayan gustado las anteriores, pueden probar suerte en esta, teniendo en cuenta que no sólo los protagonistas han crecido, sino que ellos también y podría pasar que las bromas no les resulten tan graciosas. Francamente, un tipo cagando en una nevera portátil mientras se bebe una birra… quizá en otra edad. Quizá con seis añitos.
Así que, para nostálgicos con ganas de probar suerte. Por mi parte, para la reunión del pastel americano:
Una pregunta circula entre cinéfagos, frikis, forofos de los comics, expertos en cultura pop y espectadores en general, en este fin de semana de locura marveliana, de records de recaudación de taquilla y de productores frotándose las manos:
¿es “Los vengadores” la mejor película comiquera de la historia?
Dicha cuestión es simplemente absurda, ya que la amplitud del término hace la comparación inabordable. ¿Puede compararse “Los vengadores” con “Persépolis” o con “Tintín”? Los temas son tan diferentes, la forma de abordarlos tan distantes, que no tiene sentido siquiera pararse a pensarlo.
Reduzcamos el campo entonces. ¿Es “Los vengadores” la mejor adaptación a acción real de superhéroes de la historia? De nuevo me parece que entramos en un terreno pantanoso. Con mi reducida capacidad neuronal, soy incapaz de meter en el mismo saco esta película y “El caballero oscuro”. No es sólo que, por tradición, los personajes de DC y de Marvel, las dos grandes competidoras en el mundo del superpoder, tengan historias, preocupaciones y perspectivas totalmente distintas, es que los enfoques de ambas películas podrían situarlas en géneros cinematográficos distintos, aunque ambas tengan puntos en común como la acción o la épica. Es que, si entramos en el propio universo de Marvel, en cuanto a viñeta impresa se refiere, encontramos autores, guionistas y dibujantes, que han parido comics de enfoque y resultado muy diverso. La trayectoria de estas casas se puede definir por un término popular que lo etiqueta a la perfección: multiverso. Cada nueva línea de un mismo personaje, tenía la potestad de reinventarse, pudiendo tener millones de vidas, de relaciones, de aventuras, de sentimientos e incluso, de muertes.
Marvel dio un valiente paso de gigante en el momento en el que decidió dejar de ceder los derechos sobre sus personajes a otras productoras y ella misma se convirtió en productora. No es que hubiera habido sólo malos productos hasta el momento, pero así se aseguraba el control absoluto del proceso, desde las páginas del cómic hasta las pantallas de todo el mundo. Ahí quedaban las películas de X-men de Bryan Singer (cuyos derechos descansan en las oficinas de la 20th Century Fox), quizá una de las razones de que todo esto haya empezado gracias al estupendo trabajo del director, o Spiderman (cuyas ideas surgen de los despachos de la Columbia Pictures). Pero la gran idea de ponerse a sacar adelante sus propias películas es la posibilidad de cruzar personajes, de mezclar historias, de llegar a construir una bomba que ha ido llegando poquito a poco, en forma de pequeñas perlas al final de las películas anteriores de Marvel Studios. Un agente que encuentra un martillo, Tony Stark utilizando un escudo con una estrella para nivelar un aparato, de nuevo Stark que trata de charlar con un Bruce Banner que intenta controlar su ira interior… detalles que nos dejaban con la baba colgando, sabiendo que llegaría el día en el que intentasen el más difícil todavía, fuera para bien o para mal.
Después de unos cuantos párrafos de vaguedades, información friki y rodeos, ha llegado la hora de mojarse. Desde mi punto de vista, “Los vengadores” es la mejor película de acción real basada en personajes de la Marvel rodada hasta la fecha. Un ingenio que parecía imposible de ensamblar a la perfección, por el peligro de juntar tanto protagonista en menos de dos horas y media. Un mecanismo perfectamente mezclado y engrasado, cuyo gran artífice es un enamorado de los comics, un friki redomado, un tipo de imaginación desbordante llamado Joss Whedon. Un tipo al que le ha tocado la lotería, cuando confiaron en él para dar forma a un guión mastodóntico, para ponerse detrás de las cámaras y dominar los tempos de un montón de egos, cuando en su currículo contaba con unas cuantas series de consumo popular (“Buffy cazavampiros”, “Angel”), una serie de culto cancelada antes de acabar la primera temporada (“Firefly”) y su respectiva película para fanáticos (“Serenity”), un divertimento delicioso realizado durante la huelga de guionistas que se ha transformado en un ejemplo de que la creatividad no tiene fronteras ni barreras (“Dr. Horrible’s sing-along blog”) y una serie de escaso éxito (“Dollhouse”), aparte de guionizar algunos comics de la casa que se convertirán, con el tiempo, en legendarios, como la saga “Astonishing X-Men”. Así que, por una vez, debo aplaudir el arrojo y la valentía de unos productores que han confiado más en el talento que en el nombre.
El resultado es una historia casi perfecta, con un desarrollo en continua subida, hasta acabar en una orgía de acción, épica y humor, en una enorme viñeta en el que todo el mundo encuentra su momento, en un número circense final en el que cada pirueta es aún más espectacular que la anterior y demostrando a Michael Bay que no hay por qué convertir la cámara en una pelota saltarina, se puede filmar algo adrenalínico de forma limpia y clara, sin tener que dejar al lado del asiento la típica bolsa marrón para mareos de los aviones.
Eso sí, para poder empezar bien arriba, para conseguir aprovechar el tiempo y que la historia coral encaje en un metraje soportable de película, Whedon asume que el espectador está al corriente de las anteriores películas de los personajes, o al menos, de la gran parte de ellas. Así que, que no os engañen estos usamericanos, diciendo que es igual de disfrutable si no has visto todo lo anterior. Mentira cochina. Quizá sea disfrutable pero, ni de lejos, será lo mismo. Whedon se sabe la lección y los guiños son continuos al bagaje cinematográfico que llevan los héroes, con el gran Iron Man a la cabeza, que para eso es el actor de más rango y el único que tiene dos películas cargadas en la armadura.
Así que, se presupone que todo el mundo sabe quienes son los implicados y la trama comienza con la llegada de Loki, poniendo las cosas patas arriba. A partir de aquí, la reunión del equipo, con tiempo de lucimiento para todo el mundo y tomándose las cosas con calma. Nada de explosiones y batallas desde el primer momento, que para eso nuestro dire es un enamorado de los comics. Sabe perfectamente que para que nos importen los personajes en las batallas, tenemos que haberles dado la ocasión para plantar sus problemas frente al patio de butacas. La trama conspiranóica, los problemas de convivencia entre diferentes egos, entre diferentes formas de ver la vida, entre los diferentes caminos para enfrentarse a los problemas son los que hacen que no sólo estemos esperando al proximo martillazo de Thor, al próximo rayo de Iron Man o la próxima transformación de Banner en Hulk.
El guión trata cada personaje con un cariño inusitado, sin olvidarse de ninguno. Iron Man ya estaba estupendo en sus películas, Chris Evans ve mejorado el dibujo de su Capitán América, Mark Ruffalo clava a un tímido Bruce Banner, haciéndonos olvidar el desplante por diferencias creativas de Edward Norton, Chris Hemsworth continúa la estela de su dios asgardiano, quizá con mejores frases que en la peli dirigida por Kenneth Branagh, Tom Hiddleston observa cómo su villano hermanastro de Thor gana enteros en cuanto a personalidad, Scarlett Johansson es, quizá, la más beneficiada, demostrando que Whedon tiene querencia por los personajes femeninos y cuenta con algunas de las mejores escenas, Jeremy Renner es uno de los conductores de la trama con su Ojo de Halcón, el agente Coulson y Nick Furia, encarnados por Clak Gregg y Samuel L. Jackson son mucho más importantes en la historia e incluso el segundo empieza a sonar como candidato a peli por separado y hasta podemos ver un papelito para Cobie Smulders, nuestra querida Robin Scherbatsky en “Cómo conocí a vuestra madre”, como agente especial de SHIELD. Absolutamente todos tienen sus momentos para el lucimiento, sin estorbarse y sin saturar, en una fórmula alquimista que parecía imposible de conseguir.
Whedon va sembrando el camino para que la locura final, esos treinta minutazos de exhaltación del espectáculo, sea aún más épica. Sin olvidar los toques de humor, salpicando la acción aquí y allá, como mandan los cánones de la casa editorial, algo que echamos mucho en falta los fans en las entregas del trepamuros. En este aspecto, quizá Tony Stark aka Iron Man aka Robert Downey Jr. tiene los mejores momentos, gracias a que Jon Favreau dotó al personaje de esa personalidad y a que el actor consigue impregnar en cada frase, en cada mueca, al personaje de toneladas de ironía y estilo.
En fin, qué puedo decir. Un punto y aparte en el universo Marvel, un baremo por el que se medirán las películas que vengan a partir de este punto (están ahí al caer Iron Man 3 y Thor 2), una fina delicatessen para todos los que hemos crecido entre las páginas a todo color de los héroes de la casa y espero que el comienzo de una fructífera carrera repleta de frikadas en pantalla grande para Joss Whedon.
Hulk… smash.
Las fantásticas ilustraciones de los personajes son de Nicholas Hyde.
Frikis del mundo, uníos. Porque uno de los grandes estrenos palomiteros comiqueros del año, ha llegado. Fin de semana de capa, colorines, martillo, escudo, arco y acción. Fin de semana de adrenalina, retroceso hacia la infancia, hacia la fantasía, hacia el disfrute en pantalla grande e imagen digital. Fin de semana de batallas épicas, chascarrillos sobrados, curvas apretadas en cuero negro, fanfarria de viento y metal en momentos clave. Fin de semana de adolescentes eternos, de soñadores empedernidos, de éticas intachables, de síndromes de Peter Pan. ¿Qué bitácora hay más adecuada para emocionarse ante tal perspectiva que esta?
Ah, sí y también han estrenado alguna otra cosa, pero pasarán a la bandeja de entrada después de la explosión de héroes, cuando el reblandecimiento del cerebro haya pasado y volvamos a poder pensar como personas y no como fans histéricos.
Eso será otro día.
LOS VENGADORES
Qué os voy a contar que no sepáis a estas alturas, después de pasear de peli en peli por este nuestro reino cinéfilo. ¿Que es uno de mis estrenos del año? ¿Una de esas películas que no concibes que puedan llegar a hacerse y en caso de hacerse de llegar a buen puerto?
Toda esta aventura se inició en 2008, cuando “Iron man” y “El increíble Hulk” llegaron a las pantallas y, misteriosamente, empezaron a unir los destinos de los personajes en enigmáticos finales post-créditos. E incluso antes, cuando la Marvel decidión echar el resto y hacerse con los derechos peliculeros de los personajes que no estaban ya en manos de productoras externas, como X-men o Spiderman. Ahora, tras cinco películas, se hace realidad uno de los sueños eróticos de todo friki, aparte de Leia y el bikini dorado: la reunión en pantalla de uno de los grupos heróicos más famosos de la comicsfera.
Además, contra todo pronóstico, han otorgado a otro gran friki el control del guión y la dirección y parece que Joss Whedon, tras hacerse pis al recibir la noticia, lo ha dado todo para fabricar la película maveliana definitiva.
No había duda de los pre-puntos, ¿verdad?
MARTHA MARCY MAY MARLENE
Si os nombro a las hermanas Olsen, ¿a dónde va vuestra cabeza? Quizá a padres forzosos, a comedietas románticas infumables, a portadas chungas de la Cuore. Vamos, a nada que os llevara a pagar una entrada, estoy seguro.
Pero, ¿y si os dijera que existe una tercera hermana Olsen que está recibiendo enormes críticas en su primer papel protagonista? Como si fuera el quinto mosquetero, el decimotercer apóstol, el cuarto sobrino del Pato Donald. Pues esa realidad paralela, amigos, existe y la susodicha se llama Elizabeth “Lizzie” Olsen.
La historia trata, de manera lenta (algo en lo que insisten las críticas una y otra vez) y opresiva, la historia de Martha, una muchacha que por desconocimiento entra en una secta y por necesidad huye de ella, instalándose en un estado paranoide muy poco sano. Una película independiente con un porrón de nominaciones, de la cual parece que no existe el trailer subtitulado, a la que le casco:
LAS NIEVES DEL KILIMANJARO
Me llama la atención uno de los letreros que aparece durante el trailer, que reza: basado en un poema de Victor Hugo, “La gente pobre”. Es decir, el tipo leyo un poema y se le ocurrió toda una película, así de repente. Eso es aprovechar el tiempo, no hay duda.
Robert Guédiguian es un director, productor, actor y guionista que supone al cine galo lo que Ken Loach al británico. Un tipo comprometido, de gran conciencia social, al que le gusta retratar las miserias y bonanzas de la clase media de su país. Desafortunadamente, no he visto ninguna de sus películas, así que no os puedo dar muchos más datos y os doy vía libre para desconfiar de éstos.
“Las nieves del Kilimanjaro” cuenta la historia de una familia de arraigados ideales políticos que ve alterada su forma de pensar al sufrir un atraco a mano armada. Cine de reflexiones y debates que consiguió un Cesar en Francia a la mejor actriz, la espiga de plata del premio del público en Valladolid y una crítica elogiosa de Boyero que merece:
LA MALDICIÓN DE ROOKFORD
Parece esta película una historia clásica de fantasmas. Un poco a medio camino entre “El espinazo del diablo” y una de estos films en los que un investigador descreído busca desenmascarar a unos farsantes que pretenden hacer creer que existen los muertos errantes, aquellos que no cruzan al otro lado por tener alguna deuda pendiente.
1921, una investigadora, con pasado traumático, adelantada a su tiempo, se traslada a un internado para desentrañar los misterios que allí están sucediendo. Poco a poco, los hechos que vivirá cambiarán su mentalidad y se sumergirá en un misterio misterioso.
La presencia de una pedazo actriz como Imelda Staunton, de un tipo carismático como Dominic West y una belleza con talento como Rebeca Hall (la otra americana que acompañaba a Scarlett Johansson en “Vicky, Cristina, Barcelona”) y el ambiente clásico de la cinta, pueden convertirla en una opción apetecible. Por mi parte, como el tema es de los que me atraen, le voy a obsequiar con:
EL BAUTIZO
Que películas centroeuropeas se asomen por nuestra cartelera, es complicado. Por eso, cuando lo hacen, uno sospecha que deben tener algo especial. Polonia no es que sea la meca del cine, precisamente y ahora nos llega está historia desde el hogar de Wojtyla sobre pasados mafiosos e intentos de redenciones.
Michael, después de una juventud violenta y delincuente, ha cambiado de vida. Se ha trasladado a Varsovia y tiene una vida perfecta, casado con un bellezón y disfrutando de su bebé. La llegada de un amigo de los años que ha tratado de dejar atrás traerá consigo recuerdos, sentimientos y deudas pendientes que golpearán su vida y la de su familia.
Es una historia que hemos visto miles de veces, la mayoría de ellas desde el prisma acelerado y pirotécnico usamericano. Seguro que la cámara polaca nos muestra nuevos caminos y habrá que ver si nos llevan a lugares de disfrute o no. De momento, con cautela, para esta celebración:
THE PELAYOS
Esta historia basada en familia real, que todavía anda por ahí a la búsqueda del negocio perfecto, que se dedicó a buscar un método para desbancar casinos de todo el mundo, se presentaba en el festival de Málaga como una de las grandes bazas del cine español. Un posible vehículo de espectáculo y emoción con un cartel impresionante que juntaba a Eduard Fernández, Lluis Homar, Daniel Brühl, Miguel Ángel Silvestre o Blanca Suarez.
Lo que se llevó de vuelta fue el premio al mejor montaje y una sensación de que las andanzas de estos Pelayos podrían haber dado para mucho más, de que el guión se iba por las ramas en vez de incidir en el aspecto emocionante de la historia, de que había un desaprovechamiento que generaba el típico “pcha, no está mal”.
Esto tan sólo son rumores y, para comprobarlo, habrá que verla con nuestros propios ojitos. Por mi parte, las pre-ganas de entrar en el casino rodeado de los primos, se anclan en:
EL PEZ DE LOS DESEOS
Y por último, la alternativa patria infantil de la semana. Hay que reconocerlo, nuestra industria de dibujos animados es… débil, por decirlo de manera suave. Se me ocurren muchos más adjetivos para describirlo de manera realista, pero seguro que no quedan elegantes.
En este trailer de 20 segundos, montado de manera chapucera y con una campaña de publicidad inexistente, parece que nos quieren vender la historia de un niño que odia el pescado e invoca a los extraterrestres para que se lo lleven y luego se arrepiente y busca un pez mágico que concede deseos. O algo así.
Si estas son todas las ganas que ponen para convencernos de que debemos llevar a los trastos de la casa a las salas, dejadme que siga confiando en Pixar. Solo por si acaso.
Así que, para el pescao mágico:
No lo puedo resistir. No puedo evitar comenzar diciendo que Fassbender, se ha convertido con el paso de las películas y, particularmente, con esta “Shame”, en uno de los actores más dotados de su generación. Hasta George Clooney tuvo la galantería de reconocerlo en plena recogida de galardón en los globos de oro, como podéis ver aquí.
Dicho lo inevitable, vayamos a la parte cinéfila, que es la que, de vez en cuando, nos ocupa. Lo que primero me viene al tarro es que soy un cinéfilo de palo, de los de mercadillo. Hay dos películas que recibieron el año pasado grandes alabanzas desde los círculos más eruditos y gafotas de la crítica mundial y, sin llegar a aburrirme, pareciéndome buenas películas, ninguna de las dos me pareció una obra maestra. Una fue “Drive”, de la cual ya hablé. La otra es esta “Shame”. Dos films que se centran en contar algo muy concreto, contenidas, con grandes interpretaciones y en las que los directores han salido con palmaditas en las espalda de todo evento al que han acudido.
“Shame” explora el significado de la palabra (vergüenza, traducido a algo que todos entendamos) de forma sistemática, ahondando en la personalidad de un tipo incapaz de disfrutar de su sexualidad y profundamente obsesionado con todo lo que tenga que ver con el sexo. Un homre cuya vida gira alrededor de un sólo y único pensamiento, de una necesidad física que no puede controlar y que le provoca un serio trastorno relacional, tanto a nivel de amistades, como de pareja e incluso familiar. Una personalidad rota por un pasado que no se desvela y que le afecta tanto a él como a su frágil hermana, una chica dependiente y con déficit de autoestima.
El director Steve McQueen (que no es el mítico actor de “Bullit” o “La gran evasión” resucitado, por si dudabais), que firma el guión al alimón con Abi Morgan, un tipo que hasta ahora sólo había escrito para la televisión hasta que se ha puesto de moda firmando tanto la peli de hoy como el vehículo de lucimiento de Meryl Streep “La dama de hierro, se dedica a retratar el día a día de la triste vida de este menda, que de repente, ve alterada su cotidianeidad con la llegada de su hermana. Escena tras escena asistimos a diferentes y potentes formas de vergüenza. Vergüenza privada, vergüenza ajena, vergüenza familiar, vergúenza pública… el catálogo de modalidades es amplio y consistente. Para conseguirlo, no se corta a la hora de retratar a Fassbender de la manera más cruda y patética posible, en situaciones que incomodan con tan sólo imaginarlas.
El actor de sangre germana e irlandesa, corresponde sumergiéndose en el regalo de papel protagónico y desnudándose frente a la cámara, en sentido figurado y literal, sin ningún tipo de complejo (vamos, si tiene complejos con esa anatomía es para darle de collejas y no parar). Cada gesto, cada mirada, cada acción, reflejan el cacao mental que acarrea el personaje. La espiral autodestructiva en la que está inmerso es una losa que cae sobre el espectador en cada nuevo paso hacia ninguna parte.
Y aún así, con todo esto, la película me deja momentos de parón. Como si en los instantes de reposo, en los que el guión nos concede algo de tregua, sólo hubiera vacío. Me hace preguntarme si, sin la provocación, la película conserva sustancia. ¿Me atrae de verdad la historia o, realmente, es como cuando uno es incapaz de apartar la vista de algo grotesco, sin llegar a poder fijarla sin una mueca como de chupar limón?
De lo que estoy seguro, es que tanto Michael Fassbender como Carey Mulligan tienen gran parte de culpa de ese magnetismo malsano que impregna la pantalla la gran mayoría del tiempo. Dos actores inmensos que no paran de llevar sus carreras a otros niveles, de arriesgarse enfrentándose a retos.
Resumiendo, quizá la película no llegue al nivel de podio de mi circuito particular, pero las actuaciones son la polla.
Ala, ya lo he vuelto a hacer
No se ha hablado tanto de los mayas desde la serie de dibujos animados de la abeja, ni del fin del mundo desde que Arrabal salió un tanto achispado en la tele. Los filmes apocalípticos, plagados de sueños extraños, profecías, siniestros y conjeturas filosófico-religioso-paranoides, campan a sus anchas por las carteleras. Algunos oscuros, otros esperanzadores, otros espectaculares, otros agobiantes. El caso es que este es el año de exprimir el fruto armaggedoniano hasta que no quede una sola gota de jugo en su interior.
Afortunadamente, no sólo de CGI vive Jolibú y de cuando en vez llegan propuestas diferentes, que quizá juegan con la idea, sin caer de pleno en ella. Que simplemente se sirven del concepto para enmarcar historias que van mucho más allá. El ejemplo es esta “Take shelter”, que ha ido rodando por un montón de festivales, consiguiendo adeptos y críticas positivas a partes iguales, gracias a una historia claustrofóbica y de ritmo sereno, que se enzarza en una carrera de fondo yendo de menos a más y unas actuaciones sobresalientes que le otorgan un poso de realidad.
Curtis y Samantha son una pareja afortunada. Tienen una vida en común plácida y feliz, una niña despierta y cariñosa, que, aunque padece de sordera, puede recibir un implante en breve gracias al estupendo seguro médico que les proporciona el trabajo de Curtis. Trabajo, por cierto, que sin ser ninguna maravilla, sí es estable y les proporciona los ingresos suficientes.
Todo se comienza a torcer a partir de que Curtis empieza a tener unas pesadillas rarunas y profúndamente vívidas. Sueños en los que se forma una tormenta terrible, las nubes bajan hasta la tierra en forma de amenazantes remolinos de aire y una lluvia aceitosa y densa convierte a quien toca en seres violentos e irracionales.
Al hombre le empieza a costar mantener los sueños separados de la realidad y de su vida diaria y empieza a preguntarse si no será el comienzo de alguna enfermedad mental, sobre todo teniendo en cuenta que su madre se encuentra internada desde que tenía 30 años, con un tratamiento permanente que mantiene a raya su esquizofrenia.
Jeff Nichols, que se hace cargo de la escritura y de la dirección de la cinta, construye un ambiente cambiante, que pasa de retratar una vida cotidiana a una existencia en permanente tensión, paranoia y duda. La sensación de agobio y claustrofobia se va incrementando de manera lenta a medida que pasan los minutos. Lo que al principio puede resultar incluso aburrido, va comiéndonos poco a poco los nervios, sin necesidad de subir la voz, con simples detalles, cada vez más palpables.
El gran triunfo de la propuesta de Nichols es transmitirnos en cada momento el mismo estado de ánimo del protagonista, un enorme Michael Shannon, que en sólo tres películas (una aún por estrenar) parece haberse convertido en el actor fetiche del dire. Sin olvidar a la otra gran causante de que estemos en medio del follón de esta pareja que empieza a desconfiar de todo lo que pasa a su alrededor, la guapísima Jessica Chastain, cada vez más deseada por los realizadores listos, después de ver interpretaciones como la que se gasta en “Criadas y señoras”, “El árbol de la vida” o esta “Take shelter”.
Es este un film para dejarse sumergir en la espiral de confusión que vive el protagonista, para rayarse con sus rayes, dudar de todo igual que él y comprobar la capacidad de aguante que tenemos ante una situación cada vez más negra, cada vez más rodeada por una tormenta malsana que parece cambiarlo todo.
¿Os atreveríais a seguir al tipo a su refugio o desconfiaríais de esos ojos enajenados y os quedaríais fuera? ¿Confiaríais en alquien que os ama, aunque sepáis que vive en una locura? ¿Hasta dónde puede tensarse la goma de la confianza?
Sólo hay una manera de comprobarlo. Entrad en el refugio.
Después de retomar la crítica de festival, toca el hábito de desgranar los estrenos de la semana. Sólo queda el de hacer alguna que otra crítica y el de poner lavadoras y estaré instalado de nuevo en la rutina diaria.
En mi ausencia, os habéis perdido algún que otro estreno, lo sé. Andaríais como pollos descabezados, sin saber dónde dirigiros al no contar con mis inestimables indicaciones. Aunque tampoco han estrenado gran cosa. Una de las adaptaciones de Blancanieves, héroes clásicos luchando contra monstruos griegos, adaptaciones de juegos de mesa aderezadas con extraterrestres mecánicos y alguna que otra peli de menor presupuesto.
En fin, estoy seguro de que podréis vivir sin esa información. Para paliaros el síndrome de abstinencia, aquí van los estrenos de esta semana.
LA PESCA DEL SALMÓN EN YEMEN
Lasse Hallström es un director sueco cuyas películas suelen ser criticadas por blanditas y/o empalagosas. A mí, en cambio, me suelen dejar un gran sabor de boca. Historias en las que la bondad y el espíritu humano consiguen vencer las adversidades. Cuentos modernos con regusto a épocas pasadas, que bien podrían ser contados por la noche, al calor de una chimenea.
Suyas son “Chocolat” o “Las normas de la casa de la sidra” y suya es esta curiosa historia de sueños imposibles llamada “La pesca del salmón en Yemen”, sobre un jeque con amor a un hobbie demasiado extravagante para el lugar donde vive, un aburrido piscicultor instalado en la rutina y la bella representante del jeque, que trata de poner de acuerdo a dos tipos de personalidades alejadas.
Con Ewan McGregor, Emily Blunt y Kristin Scott Thomas sabemos que la parte actoral no va a decepcionar y ya sabemos los gustos del dire, así que, por mi parte, le otorgo:
LOS JUEGOS DEL HAMBRE
Los juegos del hambre (The Hunger Games trailer)… por Losjuegosdelhambre2012
Los grandes productores de Jolibú, ultimamente, tienen ciertos parámetros consolidados para buscar el taquillazo y de ahí no les saques. Por un lado, el remake de películas míticas, siempre dispuestos a mancillar nuestra memoria cinéfila. Por otro, caso que nos ocupa, la traslación a la pantalla de sagas infantiles/juveniles, que lleven a las salas a millones de infantes enamorados de los personajes literarios.
Con esta película, nos encontramos en el segundo caso. La historia creada por Suzanne Collins, con grandes parecidos con la nipona “Battle Royale” (que cuenta también con libro y film) nos presenta un futuro en donde un gobierno totalitario domina con mano férrea al pueblo. Cada año, cada distrito tiene que ofrecer a dos jóvenes menores de edad para participar en unos juegos televisados en donde, básicamente, se enfrentan a vida o muerte hasta que sólo quede uno.
Fantasía y aventura para una peli de disfrute ligero. Una opción válida para sábado por la tarde que recibe:
ESTO NO ES UNA PELÍCULA
Jafar Panahi es un director iraní, ese país que, según su presidente, Mahmoud Ahmadinejad, goza de excelentes libertades y en donde no existen los homosexuales. Un país que no se mete con nadie, en donde existe un programa de fabricación de armas nucleares sólo para tenerlas guardadas y que hagan bonito.
Jafar Panahi fue detenido, encarcelado y vejado en 2010, sin que quedaran muy claros los cargos. Posteriormente se le confiscó el pasaporte impidiéndole viajar, se le recluyó en su propia casa y se le prohibió filmar más películas durante 20 años, ya que sus ideas iban en contra del régimen. Régimen, recordemos, que dota al país de una enorme libertad.
Tirando de humor negro, de sentido de la rebeldía y de un par de testículos, Panahi ha hecho un documental guionizado e interpretado por el mismo pero, ojo, no dirigido, ya que el régimen de libertades no le deja. En él, explica cómo quería hacer la peli que no le dejan hacer y habla de su situación. Como probablemente es más listo que los adalides de libertades que le han castigado, ha logrado que la cinta salga de Irán y llegue al resto del mundo y eso tiene un gran mérito.
Así que, para el amigo Panahi, que esperemos que pueda continuar con su trabajo y darle prestigio a esa nueva cantera de cine iraní:
KISEKI (MILAGRO)
Estos japos tienen leyendas para todo. Leyendas antiguas, leyendas modernas, leyendas de dragones y magos y leyendas de aplicación cotidiana. Una de ellas, dice que si ves cruzarse dos trenes bala, se produce un milagro. Tampoco parece muy complicado. A lo mejor es para que los estudiantes de primaria resuelvan con alegría los míticos problemas de “si un tren sale de Zaragoza a las 12 y otro de Bilbao…”.
Dos hermanos de padres divorciados, deciden que necesitan un milagro para volver a juntar a sus progenitores. Así empieza una historia que busca la emoción a través del drama familiar visto a través de los inocentes ojos de los niños. Cuento que consiguió el premio al mejor guión en el festival de San Sebastian.
Un buen momento para acercarse al cine oriental que nada tiene que ver con artes marciales ni terrores nocturnos, así que para el milagro ferroviario:
SOUL SURFER
La frase “basada en una historia real”, suele producirme urticaria. Me remite a películas de sobremesa televisiva de ínfima calidad o a películas de superación de la Disney.
Pues bien, esta cinta no es de la Disney pero pertenece, claramente a ese segundo grupo. Una surfista de renombre, joven, guapa, rubia, de padres muy cool, sufre el ataque de un tiburón, que decide merendarse su brazo. A partir de ahí, comenzará una batalla para volver a triunfar domando olas sobre una tabla.
Esperemos que se aleje del sentimentalismo barato y consiga reflejar la lucha de un espíritu fuerte, sin cleenex ni babosadas. Por lo pronto, ahí están Helen Hunt y Dennis Quaid poniendo oficio. Seré optimista y le otorgaré:
SI QUIERO SILBAR, SILBO
Chaval problemático, encerrado en un sucio centro de rehabilitación de menores, madre perraca que se quiere llevar a su adorado hermano pequeño lejos, enamoramiento de la socióloga en prácticas, problemas de irascibilidad… con estos elementos, la tangana está asegurada.
Grandes películas han salido de aquellos tipos que intentan vivir fuera del sistema, bajo su propia moral. Me viene a la cabeza “La leyenda del indomable”, con un enorme Paul Newman intentando sobrevivir a los abusos de un centro penitenciario, siendo más cabezón que nadie. Es difícil que esta propuesta rumana llegue a aquellos niveles, pero el film viene precedido por buenas críticas.
Así que, para la que tratan como nueva revelación rumana después de “4 meses, 3 semanas y 2 días”:
I’m back.
Después del genial viaje por tierras usamericanas, empapándome de los paisajes de “Bullit”, “Fuga de Alcatraz”, “Ocean’s eleven”, “Thelma Louise” e incluso algún detallito de “Psicosis”, vuelvo con las pilas renovadas, la piel curtida por el viento del desierto y los bolsillos bien vacíos. Algo que favorecerá las estancias en casa delante de la pantalla, que es un hobbie bien barato.
Así que, sin más dilación y emplazando a otra ventana temporal alguna que otra narración de los paisajes de la Yankilandia profunda, procedamos a continuar con lo que habíamos aparcado; los cuatro días de muestra Syfy, cita anual de frikis, colgados y admiradores de la sonrisa de Leticia Dolera.
El segundo día se presentaba repleto de originalidad, locura, imaginación y un intenso aroma a serie B, Z y de ahí para abajo. Tres películas y una gamberrada con variaciones apocalípticas como denominador común que llenaron la tarde del viernes agotando el remanente, ya bajo, de fuerzas de la semana. Estas fueron las afortunadas.
HELL
El efecto invernadero, el cambio climático, la dejadez de políticos, autoridades competentes y demás demagogos sin escrúpulos, por fin han logrado convertir nuestro planeta en un infierno al borde de la inhabilitabilidad. Por el día, el sol impide salir a la calle sin cubrirse cada milímetro de epidermis y la comida y, sobre todo, el agua, se han convertido en escasos tesoros.
En ese cegador y reseco panorama tratan de sobrevivir Marie, su hermana Leonie y el pseudo-novio de la primera, Philip, que recorren polvorientas carreteras a bordo de un viejo automóvil, intentando conseguir en desiertos escenarios, los bienes necesarios para sobrevivir y seguir adelante, en busca, quien sabe, de un paraje algo más benigno que les permita establecerse.
Una peli de ascendencia germana e historia cuidada, apadrinada por el apocalíptico cinematográfico por antonomasia, Roland Emmerich, que pega sorbitos de diferentes estilos y géneros. A ratos road-movie, a ratos thriller claustrofóbico, a ratos terror atávico. La más seria de las cuatro, recorre un camino muy claro, sin detenerse en virguerías, apostando por dejar a los protagonistas indefensos en medio de un universo que, por unas o por otras, pretende eliminarlos.
Buen comienzo.
STAKE LAND
Usamérica es un hervidero de vampiros y las opciones para sobrevivir no abundan. Quizá tengas suerte y encuentres una comunidad que te acepte y bajo cuya tutela puedas creerte en una burbuja. Quizá no tengas tanta suerte y tengas que comulgar con alguna de las extremistas sectas religiosas que han proliferado a raíz del apocalipsis vampírico. O, la más molona, puede que, después de que un monstruo sediento de sangre se coma a tus progenitores, seas adoptado por el cazador de chupasangres más chulesco, testosterónico y heróico del planeta. Un émulo del Burt Reynolds más machote que te enseñe todos lo necesario para molar un montón, desde el manejo de la estaca como si de nunchakus se tratase, hasta la iniciación en los placeres de la carne a cargo de experimentadas señoritas.
Instalada en la serie B más autoparódica (aunque hay que decir que más de uno dudaba de que el humor fuera premeditado), la película es el clásico viaje del héroe que aprende del maestro, con un aire comiquero y que de tanto tópico acaba por ser original. Una pareja imposible que, por el camino, recogen y adoptan a una embarazada, una monja violada y un negro… ¿puede ser tan típico sin ser a propósito? Yo creo que no.
Un festival de sangre y risas con frases épicas tales como: “y de repente, todo se vino abajo por culpa de aquellos vampiros tirados desde helicópteros por unos locos religiosos”. O algo así. Tremendo.
HOBO WITH A SHOTGUN
Difícil vida la de vagabundo. De aquí para allá, sin más equipaje que un sucio hatillo, buscándose la vida de ciudad en ciudad, buscando los trabajos que nadie quiere, dependiendo de la caridad y la bondad humana, que tan poco abundan. Y más difícil aún si llegas a una ciudad sin ley, corrompida, con ciudadanos atemorizados por una familia de locos mafiosos, homicidas y maníacos.
El vagabundo sin nombre, sin embargo, está curado de espantos y la experiencia le dice que siempre es mejor mantenerse al margen. Eso es lo que intenta, hasta que su moral le empuja a ayudar a una prostituta en problemas y eso lo enfrenta a la sádica familia. Así que, se le hinchan las bolsas escrotales y se convierte en un vagabundo con escopeta, capaz de enfrentarse a un sistema corrupto, repartiendo cera, tiros y mala baba en una escalada de violencia delirante.
Salido de uno de los falsos trailers que adornaban la sesión Grindhouse de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, al igual que “Machete”, “Hobo with a shotgun” es un auténtico y genuino producto de serie Z. Un revival de aquellas películas de ínfimo presupuesto que poblaban las televisiones usamericanas de los 70, con sus colores saturados, su espíritu punk y sus ganas de desmadrar a lo grande. Además, cuenta con una leyenda cinematográfica incomparable, el replicante más filosófico, cuyos recuerdos se perderán como lágrimas en la lluvia. El desaparecido Rutger Hauer.
Un despelote gamberro que cuenta con los suficientes alicientes como para divertir durante hora y media de violencia con sabor a añejo.
TRASH ENTRE AMIGOS – STONEHENGE APOCALYPSE
Por último, en la sesión gamberra, nos esperaban Nacho Vigalondo, Rubén Lardín, el señor Ausente y Raúl Minchinela, con una nueva velada de Trash entre amigos. Una iniciativa que pretende llevar a un auditorio la experiencia de compartir una película de calidad deplorable entre un puñado de colegas descerebrados, permitiendo los comentarios más marcianos y absurdos a voz en grito.
¿El film elegido para tal destripe? El caso es que da lo mismo, mientras sea basura de la buena. En este caso, un producto aneuronal de la propia casa que organiza el festival, llamado “Stonehenge apocalypse”, en donde el mundo está al borde de la aniquilación gracias a un puñado de piedras.
Un grupo de científicos descubre que Stonehenge es una especie de mecanismo que interconecta pedrolos por todo el mundo capaces de provocar rayos malignos que traerán consigo la destrucción de la raza humana. Menos mal que ahí están los militares de turno, cada uno vestido con el disfraz del chino más cercano, para enredar un rato mientras el héroe descreído soluciona el misterio y desactiva, siempre en el último segundo, el mortal y pétreo cachivache.
Un sinsentido con efectos de Photoshop que sirve para soltar la lengua a los cuatro lenguaraces con micrófono, que consiguieron despertar carcajadas y aplausos, alguna que otra vez.
En resumen, un segundo día de festival curioso, que no defraudó a casi nadie y que trajo mucha más expectación que el supuesto pelotazo que abría la muestra. Cuatro películas que, seguramente, no pasarán a la historia del cine pero que, probablemente, contengan mucho más amor por el celuloide que el que se pueda encontrar en la cartelera de un día normal.
Bueno, vale, dejémoslo en tres.
Como podéis notar, Nunca Jamás está callado. Más callado que de costumbre. Sí, aún más callado que de costumbre. Y no es que piratas, niños perdidos y sirenas hayan extendido la huelga general hacia atrás y delante en el tiempo, es que el bloguero, se ha cogido unas merecidas vacaciones, se ha hecho el macuto y se ha venido hasta aquí:
para luego saltar hasta aquí:
luego, coger un Camaro del 74, o un Cadillac del 68 o un Gran Torino y quizá pasar por aquí:
y recalar aquí:
tras el resacón volver a bajar, por aquí:
para acabar en la boda más viajera y remolona que vamos a vivir en mucho, mucho tiempo. Tres estados, diez días y un puñado de grandes amigos.
Felicidades George, congratulations Jin. From Neverland, we wish you a very happy life together and they wish me a tremendous trip.
Remato con un festival y comienzo con otro, aunque estén separados cinco meses de por medio. La cita anual con la muestra que organiza y patrocina el canal fantástico SyFy. Un acontecimiento al que somos leales un grupo de elementos variopintos que resistimos ahora y siempre al invasor en forma de blockbuster. Una ocasión para comprobar qué se cuece en el campo del cine de género y de la serie B. Unos días para reencontrarse con nuestra querida Leti y disfrutar de su desparpajo, espontaneidad, risa contagiosa y sinceridad. Lo que viene siendo una reunión familiar en un salón muy grande y con butacas, como muy bien lo definió Leticia Dolera en una de sus apariciones.
Este año el tema que inspiraba la muestra era el cacareado fin del mundo que, se supone, que predijeron los mayas, hace chorrocientos años para este 2012. El listo que supuso esta teoría, se basaba en el aplastante argumento de que habían confeccionado un calendario que acababa justo este año. Por supuesto, pensar que el pobre maya que se encargaba de elaborar dicho calendario se cansara en algún momento y dejase el cincel quieto, es inimaginable, así que, habemus armaggedon.
Por tanto, ya que el tenderete que tenemos montado en el planeta (cada vez menos) azul se va al garete, los de SyFy decidieron hacer cambios en la muestra. Por una parte, cambiaba el lugar de reunión, del Palafox de los años anteriores a los céntricos cines Callao. Por otra, los abonos bajaban de precio hasta los 25 euros, lo que venía muy bien a nuestros precarios monederos. Eso sí, en lo que no cambiaron un ápice fue en la organización, tan caótica como siempre. Incluso hubo alguna nueva pedazo idea que nos tocó aún más las narices, con respecto al grandioso estreno que suele abrir la muestra.
En esta ocasión fuimos de nuevo cacheados y privados de nuestros dispositivos electrónicos a la entrada de la película, como el año pasado. Algo que, entiendo que no depende de la organización, sino de la productora que presenta la cinta. Unos tíos a los que no se les cansa la lengua diciendo que somos malvados y egoístas, descargando pelis mientras ellos se arruinan, para luego tratarnos como potenciales delincuentes, requisando móviles que ni siquiera tienen función de grabación de vídeo, para no tener tentaciones de almacenar una película que se estrenaba, atención al dato, al día siguiente. De una película que ya se podía encontrar en la red, de querer obtenerla. Quizá deberían ser mejor aconsejados por su departamento de publicidad sobre cómo afecta esta estupidez a su imagen.
Lo que sí está en manos de la muestra es proyectar un film en versión doblada en una reunión repleta de frikis hijos del siglo XXI, acostumbrados ya a ver series americanas recién salidas del horno, que comienzan a apreciar la primordial importancia de la voz del intérprete en su actuación. En una muestra en la que el resto de películas se emiten en VOS (con excepción de la sesión de “Trash entre amigos” en la que lo importante es el cachondeo de la butaca y no la película en sí.
En fin, el caso es que, con dudoso criterio, deciden mostrar una de las películas más comentadas en la red antes de su estreno, sin sus voces originales, lo que le quitó encanto a raudales. Bueno, eso y que el resultado, en general, no llega al nivel de las expectativas generadas por la adaptación de una novela que cuenta con un gran número de fans. Por mucho efecto digital, diseño conseguidísimo de personajes o 3D remolón con que contara la cinta de marras.
Para quien no sepa quién es este John Carter, yo me informo y se lo cuento, que para eso estamos. El personaje proviene de una serie de capítulos que aparecieron en la revista “All story weekly” entre julio y septiembre de 1911 y que se juntaron en la primera novela de sus aventuras en 1912, escrito por Edgar Rice Burroughs, que como bien sabéis es también el padre del mítico Tarzán de los monos. A esta primera novela, seguirían nada más y nada menos que diez más, hasta 1964, creando una mitología bien jugosa de este guerrero victoriano pionero en Marte.
Mucho se venía hablando de la traslación de John Carter a la pantalla grande y fue la Disney la que se hizo con los derechos para materializarla. Tras mucho, mucho tiempo (se habla que varias adaptaciones se venían paseando por los despachos desde el siglo pasado), uno de los niños bonitos de la iluminada Pixar, Andrew Stanton, director y co-guionista de “Bichos, una aventura en miniatura”, “Buscando a Nemo” y “Wall-e”. Una opción, a priori, perfecta para llevar a cabo la empresa.
La historia arranca con una herencia. La de John Carter a su sobrino preferido, que acude al abogado de la familia para recibir un diario de las andanzas de su tío, donde le relata su fantástica aventura en la búsqueda de oro por las minas perdidas del far west. En una de estas, escapando de los indios, se esconde en una cueva y, allí pelea contra una especie de monje extraño que se le aparece de entre las profundidades de la caverna. Al final, se hace con una especie de medallón que le transporta a Marte, donde se encuentra con un montón de razas alienígenas extrañas, una bella princesa de la que cae prendado, una especie de perro azul ultrarrápido y una guerra en medio de la cual se verá envuelto.
Después de tanto tiempo que se han tomado para pulir el guión, para dar forma a la historia, para decidir quién sostenía la batuta, para intentar armar una historia épiica y heróica, posible punto de partida para una saga, el resultado me parece bastante pobre. Sobre todo en cuanto a guión. 132 minutos que podrían, perfectamente, haber sido algunos menos en los que hay diálogos de esos que dejan con un sonrojo o una carcajada, a elección del respetable (tratándose de una platea como la del festival, la carcajada está asegurada).
Lo mejor, sin duda, los momentos de acción pura y dura, con el tal Carter repartiendo mandobles con la espada, con saltos estratosféricos, cargándose bicharracos gigantescos. Es en esos momentos, en medio de seres nacidos a golpe de pixel, cuando Stanton se gusta de verdad. De hecho, el que la actuación de algunas de las razas supere con creces a algunos de los humanos, dice bastante sobre lo que realmente le mola al director.
Entre el plantel, podemos encontrar de todo. Todo un peso pesado como Mark Strong, en el papel antagonísta, el siniestro personaje que maneja los hilos, dando una lección de sobriedad, a un novato en la industria como Taylos Kitsch, que cumple su función de héroe, sin que se le eche nada en falta y sin destacar sobremanera y a unos ojos como los de Lynn Collins, que aparte de belleza no es capaz de aportar demasiada credibilidad.
En cuanto a las voces de los marcianos, doy gracias a la muestra por no permitirme escuchar el trabajo de gente como Samantha Morton, Willem Defoe o Thomas Haden Church.
En fin, la apuesta parecía asegurada, pero John Carter definión un inicio descafeinado de una muestra que no tendría grandes sobresaltos. Para ser un fin del mundo, parecía presentarse el tema muy tranquilico.
